Dix lauréats de la Palme d'Or de Cannes à regarder en streaming

Pour la première fois en 73 ans d'histoire, le Festival de Cannes a été contraint de reporter ses travaux . Le report n'est, bien sûr, que l'une des mille façons dont l'industrie cinématographique a été mise en attente face à la propagation du coronavirus, mais il est significatif. Aucun festival n'a autant d'importance pour donner le ton de l'année cinématographique ; en 2019, Parasite a remporté le premier prix en route vers le succès au box-office et la gloire aux Oscars, et même si le succès général de ce film était plus une valeur aberrante - et le seul lauréat de la Palme d'Or et du meilleur film depuis Marty en 1955, le rôle du festival en tant que créateur de dynamique ne peut être nié. L'impact du déménagement de Cannes plus tard dans l'année ou de la fermeture complète de la boutique sera important. Mais en attendant de savoir quand – ou si – le festival aura lieu en 2020, voici 10 anciens lauréats de la Palme d'Or qui méritent d'être recherchés et diffusés.

Viridiana (1961)

Diffusion sur Canopée



Je n'ai pas délibérément voulu blasphémer, a déclaré Luis Buñuel à propos de sa fable sournoisement sacrilège, mais [le pape] est un meilleur juge de telles choses que moi. La juxtaposition de Viridiana Le succès de Cannes à Cannes et le scandale qu'il a provoqué dans le reste de l'Europe, où il a été dénoncé par le Vatican et interdit en Espagne par le régime de Francisco Franco, fait allusion à l'éclat artistique du film, ainsi qu'à la provocation qu'il contient. Son histoire d'une jeune et belle novice (Silvia Pinal) qui croit (à tort) qu'elle a été violée - et donc gâtée pour toujours - manifeste une méchante satire d'une conception immaculée et d'une piété mal appliquée, culminant dans une séquence hilarante parodiant la Dernière Cène avec un groupe de mendiants dégénérés qui remplacent Jésus et ses apôtres. Personne ne savait comment le coller à l'Église catholique comme Buñuel, et pourtant il est réducteur de simplement décrire Viridiana comme un foutre aux fidèles - c'est une attaque contre l'autorité et l'aristocratie sous toutes ses formes qui refuse simultanément de se livrer à la sentimentalité du sel de la terre à propos de ceux qui vivent plus bas sur l'échelle. Viridiana La vision inébranlable d'un monde sans véritable innocence n'est pas misanthrope, mais puissamment, sans vergogne humaine - une comédie noire sans pitié ni jugement.



Les Parapluies de Cherbourg (1964)

Diffusion sur Canopée

L'année même où Julie Andrews est descendue du ciel de Londres sur un parasol, le réalisateur français Jacques Demy a immortalisé le chic des jours de pluie tout en faisant de Catherine Deneuve, 21 ans, une star. Appeler Les Parapluies de Cherbourg le divertissement léger est tout à fait approprié compte tenu de son ton vif et léger - son histoire élancée sur une jeune fille tombant dans et hors de l'amour monte en flèche sur la douce partition de Michel Legrand - et pourtant cette description ne rend pas justice au sérieux de ses thèmes sur l'économie l'angoisse (l'objet de l'affection de Deneuve est un humble mécanicien) ou la présence tapie hors champ de la guerre d'Algérie. Comme toutes les plus grandes comédies musicales, Les Parapluies de Cherbourg transforme la réalité en utopie, tout en douceur de chorégraphies et de costumes aux couleurs coordonnées, sans nous faire oublier son artifice. Alors même qu'il rendait hommage aux vieilles comédies musicales hollywoodiennes, Demy créait un modèle de genre pour les réalisateurs autoréflexifs de Bob Fosse à Spike Jonze (dont la promo légendaire pour It's Oh So Quiet de Bjork est un hommage total). Le charme est peut-être dans l'œil du spectateur, mais si vous ne trouvez pas ce film irrésistible, vous devriez faire vérifier votre vue.



Si … (1969)

Diffusion sur Amazon Prime

La fin des années 1960 a été un foyer de résistance des jeunes à travers le monde. En 1968, Cannes suspend le festival pour la première et unique fois de son histoire en solidarité avec les manifestations étudiantes à travers le pays ; plus tard cette année-là aux États-Unis, des manifestations à la Convention nationale démocrate à Chicago ont fait resurgir des tensions similaires. Et, en 1969, Cannes décerne la Palme à un film britannique trafiquant d'images de rébellion et d'insurrection : l'époque de Lindsay Anderson Si… , qui a transféré l'énergie des pop stars britanniques régnantes de l'époque, de la majesté satanique des Rolling Stones aux adolescents wastoids de The Who. Deux ans avant son rôle dans Une orange mécanique , Malcolm McDowell a joué Mick Travis, un lycéen hérissé de rage contre ses professeurs et un groupe de camarades de classe intimidants qui attisent des pulsions meurtrières; ce qui commence comme une représentation sinistrement crédible de rituels d'écoles privées se transforme en un fantasme de vengeance scandaleux et irresponsable exaltant qui peut ou non exister en dehors de l'espace libre de Mick. (Pas étonnant que Stanley Kubrick ait choisi McDowell dans le rôle d'Alex DeLarge - son rôle ici est comme une audition prolongée pour la méchanceté attirante qu'il a montrée dans Une orange mécanique .) Les influences surréalistes du film sont claires et marquent sa divergence avec le réalisme de l'évier de cuisine du cinéma britannique des années 60, même si Anderson exploite la même veine profonde et riche en art de la satire sociale et de classe que ses pairs plus sobres. Depuis son titre, Si … est un film sur le pouvoir et le péril de l'imagination, et le frisson séduisant de souhaiter que nous puissions extérioriser nos vies intérieures pour que tous voient et craignent.

le pape Pie XIII décède

La conversation (1974)

Diffusion sur Amazon Prime



Il nous tuerait s'il en avait l'occasion. Aucune ligne n'illustre mieux la paranoïa du cinéma américain des années 70 - l'anxiété aiguë et aiguë qui était le revers de la flexion musculaire esthétique du New Hollywood - que le mantra au milieu du classique du complot de Francis Ford Coppola. Le vrai sens de cette phrase et à qui elle fait référence à la mort est le mystère central de La conversation , qui tire son concept général d'un autre lauréat de la Palme d'Or (thriller de 1966 tourné à Londres Exploser ) tout en l'américanisant pleinement pour l'ère du Watergate. Son (anti?) héros, Harry Caul (Gene Hackman), est un expert en surveillance solitaire qui écoute aux portes pour le profit mais finit par trop entendre (puis voir) trop. Venant après le classicisme sombre et somptueux de Le parrain , La conversation Son style elliptique et saccadé ressemblait presque au travail d'un autre cinéaste, prêt à prendre des risques avec de nouvelles formes et techniques. Et même si Hackman avait déjà remporté un Oscar pour La connexion française , sa performance mesurée et récessive en tant que fluage passif et socialement éloigné - un gars habitué à vivre sa vie comme une mouche sur le mur - représentait un sommet vertigineux de l'art d'acteur.

Sous le soleil de Satan (1987)

Diffusion sur Canopée

chanson de pizza ralentie

Recevant sa Palme pour son chef-d'œuvre angoissé, Maurice Pialat dit au public moqueur , Si tu ne m'aimes pas, je peux te dire que je ne t'aime pas non plus. Comme est un mot difficile à appliquer Sous le soleil de Satan , un film qui, fidèle aux affirmations de Pialat, ne fait aucun effort pour être sympathique, se concentrant sur un protagoniste profondément malheureux (Gérard Depardieu en prêtre souffrant de malnutrition spirituelle) et le soumettant à une série de souillures physiques et psychologiques qui anticipent l'angoisse d'Ethan Hawke dans Premier réformé (un film incontestablement fait dans la dette de Pialat). Il y a une ligne fine entre le sérieux brûlant et l'auto-parodie po-face, et Sous le soleil de Satan le parcourt courageusement, faisant de Depardieu un vaisseau de pessimisme pieux face à Sandrine Bonnaire alors qu'une jeune femme enceinte présente le meurtre de son amant - une présence étonnamment charnelle destinée à croiser le saint homme qui se déteste. La volonté de Pialat d'aller jusqu'au bout en termes de symbolisme austère (y compris une rencontre avec le diable littéral, probablement) est sûrement ce qui a aliéné ses ennemis, mais c'est aussi ce qui rend son film si remarquable dans sa manière cruelle et impénitente. Au lieu de nous demander de le rencontrer à mi-chemin, Pialat nous entraîne par le cou sur un terrain impitoyable, au-delà du point de non-retour.

Barton Fink (1991)

Disponible à la location pour 3,99 $ sur Amazon Prime

Les règles du jeu ont dû être réécrites après que les Coen aient raflé les citations à Cannes pour Barton Fink ; le festival a décrété que désormais le plus grand nombre de prix pouvant être attribués à un même titre de Concours était de deux. Répartir la richesse, c'est bien beau, mais ce n'est pas comme si le jury avait eu tort de penser que la combinaison hommage-critique des Coen à l'ancien système de studios hollywoodiens - dépeint comme un Moloch côtier engloutissant le dramaturge idéaliste new-yorkais de John Turturro - était quelque chose de moins qu'un chef-d'œuvre. Ingénieusement conçu et tranchant comme un rasoir dans sa brochette d'un troupeau de bétail littéraire sacré (y compris Clifford Odets et William Faulkner), Barton Fink est aussi dense et complexe que le travail des Coen obtient. De plus, l'ironie du fait que les frères soient si extravagants fêtés pour un film qui traite en grande partie de la façon dont les critiques élogieuses défigurent le processus artistique ne peut être sous-estimée. Depuis, Cannes a bien traité les Coen, offrant des prix importants pour tout, de Fargo à Les tueurs de dames à À l'intérieur de Llewyn Davis, mais Barton Fink en est un pour le livre des records.

Pulp Fiction (1994)

Disponible à la location pour 3,99 $ sur Amazon Prime

Peut-être que seul un jury dirigé par Clint Eastwood aurait parié sur l'attribution du plus haut prix de la culture cinématographique européenne à une collection de tropes lowbrow, mais à la fin de 1994, l'écriture était sur le mur : le rétro-fétichisme de Quentin Tarantino était l'avenir du cinéma américain . Les Oscars sont allés avec Forrest Gump , mais 25 ans plus tard, il est clair que Pulp Fiction gagné la guerre : Il y a de fortes chances que ce soit le seul film que tous ceux qui lisent cette liste ont vu. Il convient également de se rappeler qu'à un moment donné, les fils narratifs allongés et enchevêtrés et les annotations culturelles pop se sont depuis longtemps normalisés et poussés à leurs limites dans des épopées comme Les huit haineux et Il était une fois… à Hollywood avait un appel de nulle part. Regardez au-delà des plans emblématiques, des one-liners et des chutes d'aiguilles (dont il y en a sans doute plus que dans n'importe quel film américain des années 1990) et rappelez-vous que ce qui a fait Pulp Fiction vraiment exploser avec les créateurs de goût était la pure joie de ses tactiques de narration – la façon dont QT a continué à trouver des moyens de détourner et de détourner nos attentes de ce que ses personnages diraient et feraient ensuite. Pensez à la façon dont The Gold Watch mute progressivement du long monologue de Christopher Walken sur le fait de cacher une montre dans son rectum à Bruce Willis contemplant stoïquement une épée de samouraï sur un mur du prêteur sur gages de Zed, et à quel point cette progression est étrangement logique et poétique. sur le moment et rétrospectivement, puis remerciez Clint d'avoir donné le coup d'envoi Pulp Fiction l'élan de Cannes.

l'éléphant (2003)

Disponible à la location pour 2,99 $ sur Amazon Prime

Peu de cinéastes américains se sont réinventés avec autant de régularité ou de succès que Gus Van Sant, dont les compétences en matière de changement de forme au cours d'une carrière de près de 40 ans ont gardé les téléspectateurs impressionnés et devinés. Après le succès général de Chasse de bonne volonté – et la débâcle tout aussi médiatisée de son coup pour coup psychopathe remake—Van Sant a commencé à se présenter comme un spécialiste austère des prises de vue longues à la manière des grands maîtres européens comme Béla Tarr, accélérant les mouvements de la caméra alors même qu'il ralentissait le rythme de ses scènes jusqu'à un crawl délibéré. Cette esthétique mi-envoûtante, mi-aliénante a été perfectionnée en l'éléphant , une recréation stratégique de la fusillade de Columbine qui fait la différence entre naturalisme, mythe et exploitation de films d'horreur ; les travellings dans les couloirs du lycée avant, pendant et après un massacre évoquaient la menace de Halloween . Dans une sélection cannoise remplie de poids lourds controversés de Lars Von Trier Dogville chez Vincent Gallo Le lapin brun , La provocation étrangement sereine de Van Sant a impressionné un jury composé de Meg Ryan et Steven Soderbergh et a remporté le prix du meilleur réalisateur en plus de la Palme. Vu maintenant, l'éléphant ne peut s'empêcher de jouer comme un produit de son temps (c'est-à-dire le casting de C'est mon buisson ! star Timothy Bottoms en tant que père ivre dans un prologue sinistrement drôle), mais il reste l'un des films américains les plus troublants du nouveau millénaire, et exactement aussi difficile à catégoriser ou à interpréter définitivement que son créateur l'avait prévu.

L’Enfant (2006)

Disponible à la location pour 3,99 $ sur Amazon Prime

En termes de films de festivals internationaux, aucun réalisateur n'a exercé plus d'influence dans les années 2000 que les frères belges Jean-Pierre et Luc Dardenne, dont les récits intensément pressurisés d'endurance et de rédemption dans la classe ouvrière de Seraing ont inauguré une tendance au naturalisme à la main. Si la première Palme d'Or du couple en 1999 pour Rosette était une surprise—avec la permission d'un président de jury canadien souvent rusé et imprévisible en la personne de David Cronenberg—le prix sept ans plus tard pour L’Enfant s'apparentait à un couronnement, les plaçant carrément au sommet de la hiérarchie de l'art et essai de l'époque. La mise en place du film est un pur mélodrame, alors qu'un jeune arnaqueur vend impitoyablement son fils en bas âge et est ensuite obligé de le récupérer; à partir de là, l'histoire change de voie pour devenir une méditation plus métaphorique sur la responsabilité et la paternité. Avec leur rythme incessant et leurs toiles de fond très délabrées, les films des Dardenne se jouent souvent comme des thrillers, et L’Enfant traite des questions de crime (organisé) et de punition sans compromettre son acuité émotionnelle ou sa pureté spirituelle. Comme dans leur effort encore plus grand de 2002 Le fils , l'intérêt principal des Dardenne réside dans la capacité humaine d'amour et de pardon, et leur dévotion tenace à l'égard des deux se traduit par des films qui peuvent ressembler à des miracles.

Avertisseur de temps de canal de découverte

L'arbre de la vie (2011)

Diffusion sur HBO maintenant

Ou : es-tu là, mon Dieu ? C'est moi, Terry. De toutes les choses que tu peux dire sur L'arbre de la vie , le plus vrai est peut-être qu'il a définitivement débloqué quelque chose dans son créateur. Après avoir réalisé un grand total de cinq films entre 1973 et 2011, Terrence Malick a connu une déchirure relative après son triomphe à Cannes, avec quatre longs métrages profondément conflictuels au cours de la décennie qui a suivi. Et quoi que tu penses À la merveille , Chevalier de Coupes , Chanson en chanson , et l'année dernière Une vie cachée , ils sont si stylistiquement proches de leur prédécesseur immédiat que L'arbre de la vie ne peut s'empêcher de se sentir comme un tournant dans la carrière d'un artiste majeur. Pour certains, L'arbre de la vie Le mélange de mysticisme et de mémoire peut être difficile à accepter, et ceux qui ont besoin que leurs histoires soient racontées de gauche à droite pourraient être rendus fous par l'approche parallèle de Malick à la narration, dans laquelle des scènes uniques (ou même des plans) portent le poids et la complexité de une histoire courte entière; ici, vitesse et beauté sont synonymes, et pour apprécier cette dernière il faut suivre un rythme d'édition qui avance aussi vite que nos synapses. Riez à la voix off chuchotée et aux dinosaures CGI s'il le faut ; à une époque d'ironie compulsive en tant que mécanisme d'adaptation culturel, la prétention sérieuse de Malick invite sûrement au rire moqueur. Mais il y résiste aussi, et comme l'ancien à feuilles persistantes de son titre, il domine avec bienveillance des films moins ambitieux, c'est-à-dire à peu près tout le reste.

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