Les 25 meilleurs films étrangers de la décennie

La seule bonne raison de faire une liste des meilleurs films d'une période donnée est d'inspirer la curiosité et la conversation, ce qui est l'objectif derrière cet inventaire de 25 titres clés en langue étrangère des années 2010, une période où le cinéma international s'est adapté aux changements universels. en termes de technologie et d'audience tout en s'implantant plus que jamais aux États-Unis.

Certes, le succès, mesuré en partitions de Rotten Tomatoes et en Oscars, d'un film comme Rome (2018) suggérait une réceptivité de la part des critiques américains (et du public) à célébrer le tarif sous-titré ; contrairement aux importations précédentes du 21e siècle telles que Tigre accroupi Hidden Dragon (2000) ou héros (2002), le drame d'Alfonso Cuarón ne s'appuyait pas sur des tropes de genre pour la popularité. Mais l'important accord de distribution du film via Netflix indiquait que l'économie de l'art et d'essai s'était, dans une certaine mesure, déplacée en ligne, Cuarón rejoignant non seulement des auteurs américains comme Martin Scorsese et les Coen pour encaisser des chèques du géant du streaming, mais aussi des concurrents cannois comme Le Sud-Coréen Bong Joon-ho. Pendant ce temps, l'émergence au cours des dernières années de services de streaming à thème de niche comme FilmStruck et Criterion Channel a signifié, potentiellement, une plus grande disponibilité et un plus grand accès aux films en langue étrangère passés et présents - une variété que les plus grands acteurs du jeu en ligne ( par exemple Disney) verrait tout aussi bien s'éteindre, à la manière de Thanos.



En ce qui concerne les films eux-mêmes, s'il est impossible d'imposer une thématique et des tendances à une œuvre globale, il semblerait que le réalisme hardscrabble si en vogue dans les années 2000 - porté notamment par le succès des frères Dardenne - a un peu reculé, permettant un ensemble plus large de chouchous des festivals : s'ils étaient obligés de choisir, certains programmeurs citeraient probablement la dérive rêveuse d'Apichatpong Weerasethakul comme l'influence esthétique la plus omniprésente de la décennie sur le cinéma non-occidental, tandis que genre pratiqué par Bong, Park Chan-wook, Nicolas Winding Refn et Guillermo del Toro (qui n'a pas regardé le Mexique depuis Le Labyrinthe de Pan) continue de projeter une ombre longue. La poursuite de la sortie de Jean-Luc Godard, qui ressemble plus que jamais au dernier homme debout de sa génération, a offert un argument vital pour la vieille garde, bien que l'effusion d'émotion en ligne après la mort en mars de la géniale innovatrice de la Nouvelle Vague Agnès Varda a témoigné de son statut héroïque parmi les jeunes cinéphiles.



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La liste n'est pas classée et plutôt classée par ordre alphabétique - une solution de facilité, peut-être, mais mon itinéraire choisi malgré tout. Pour éviter que l'auteurisme ne se déchaîne, je me suis limité à un film par réalisateur, mais sinon le champ était grand ouvert. Malheureusement, je n'ai trouvé de place pour aucun film canadien-français, et (c'est peut-être le Canadien anglais en moi) je ne peux pas m'empêcher d'avoir l'impression que le Royaume-Uni se fait avoir dans cette situation même si certains des meilleurs films britanniques récents pourrait bénéficier d'être regardé avec des sous-titres (c'est-à-dire le film de Ben Wheatley Liste de mise à mort, qui se trouve également être mon film préféré de la décennie, dans n'importe quelle langue, pour ceux qui comptent les scores à la maison). Et au lieu d'essayer de choisir (ou d'imposer) n'importe quelle sorte de tendances ou de thèmes sur cette collection subjective de fonctionnalités, je suggérerai simplement que l'aventure Sonnerie les lecteurs les recherchent et rendent compte.




Les nuits arabes (2015, Miguel Gomes)

J'aurais tout aussi bien pu faire appel au réalisateur portugais pour la belle et douloureuse histoire d'amour fragile de 2012 Tabou , mais la portée et l'ampleur de son interprétation de six heures de Les nuits arabes ne peut être nié. Le cadre conceptuel de Gomes ici est la fable de Shéhérazade, la femme du sultan qui doit raconter des histoires à son mari comme si sa vie en dépendait, parce que c'est le cas. (Nous sommes censés croire que le cinéaste essaie également d'éviter sa propre exécution.) Les blagues sans sequitur et les gags à vue sont implacables, mais ce qui unit vraiment le collage d'histoires de Gomes, la plupart se déroulant à l'époque contemporaine malgré un peu de la mise en scène à l'ancienne et toutes basées d'une manière ou d'une autre sur l'actualité - est la nécessité du récit lui-même : nous nous racontons des histoires pour vivre.

L'assassin (2015, Hou Hsiao-hsien)

La dynastie Tang du IXe siècle en Chine offre une toile de fond ravissante pour le mélodrame d'arts martiaux de Hou, un détour par le genre pour un cinéaste dont la production est généralement de l'art et essai hardcore. Toujours grand chorégraphe des corps dans l'espace, Hou s'avère sans surprise un adepte du cinéma d'action, même s'il se contente de laisser filer la violence à son rythme doux et sans hâte. L'histoire traditionnelle d'une tueuse enrôlée pour abattre son cousin - et dans le processus jeter le gouvernement local de sa région dans le chaos - est suffisamment solide pour soutenir le sens du spectacle de Hou. Et dans le rôle-titre, Shu Qi est magnétique : un ange de la mort gracieux qui vient plutôt choisir la miséricorde.

Attenberg (2011, Athènes Rachel Tsangari)

La montée de la soi-disant Vague étrange grecque a été annoncé en 2010 par Dent de chien , un drame de chambre vicieux mettant en vedette une famille extrêmement dysfonctionnelle; son directeur, Yorgos Lanthimos, finirait par obtenir la gloire des Oscars avec Le favori. En fait, je préfère les moins sauvages - mais tout aussi bizarres - Attenberg, qui joue le rôle de Lanthimos dans le rôle de l'amante potentielle d'Ariane Labed, dégingandée et sexuellement phobique, une fille toujours accrochée à l'intimité intense mais platonique qu'elle partage avec son père mourant. Leur habitude familiale de regarder (et d'imiter) des documentaires sur la nature au lit ensemble encadre le film de Tsangari comme une étude anthropologique ironique de l'animal humain, avec une bande sonore mémorable par les icônes post-punk Suicide.



Brûlant (2018, Lee Chang-dong)

La sonnerie le meilleur film de 2018 est une classe de maître sur le point de vue, limitant notre perspective à celle de son protagoniste en colère, sexuellement refoulé et à court d'argent jusqu'à ce que nous soyons également sûrs que le beau et arrogant connard riche ( Steven Yeun ) qui a volé sa petite amie (tout en vivant littéralement le style Gangnam) est en fait un tueur en série sociopathe. Ce n'est pas que le chef-d'œuvre de Lee au visage de poker parfait ne montre jamais sa main ; comme tout thriller véritablement persistant, il est ponctué d'un point d'interrogation.

Cimetière de la splendeur (2015, Apichatpong Weerasethakul)

Apichatpong fait des films qui ressemblent à des rêves lucides, c'est donc sur la marque que Cimetière de la splendeur parle d'une épidémie de maladie du sommeil, une métaphore élégante pour un pays qui s'endorme lentement dans un état de paralysie politique. Travaillant dans une clinique rurale où les hallucinations des victimes sont répertoriées à l'aide de tubes à code couleur, une infirmière cherche des moyens de communiquer avec les hommes tombés au combat. Aucun cinéaste international n'a exercé une influence aussi bienveillante que le prodige thaïlandais, dont la Palme d'or 2010 pour le film tout aussi fascinant Oncle Boonmee qui peut se souvenir de ses vies antérieures a ouvert les possibilités d'un cinéma d'art placide, poétique et populaire; à sa manière discrète et séduisante, il est l'un des véritables héros artistiques de la décennie.

Voir (2012, SS Rajamouli)

Un homme innocent tué par son rival romantique se réincarne en mouche domestique et exerce sa vengeance burlesque dans le blockbuster en télougou de Rajamouli, une comédie d'action sciemment farfelue et infiniment inventive avec un dispositif de cadrage de conte de fées à la La princesse à marier et l'esprit implacable et cinétique d'un dessin animé classique de Warner Bros. Il n'y a pas d'horreur corporelle cronenbergienne ici, juste une folie sans vergogne élevée au niveau de la grandeur. En même temps, impossible de ne pas être ému lorsque notre héros microscopique utilise ses ailes pour écrire à son amante éplorée un mot en utilisant ses larmes comme encre. Presque impossible à prendre au sérieux, en fait impossible de ne pas aimer.

Elle (2016, Paul Verhoeven)

Après avoir été chassé de Hollande et d'Hollywood sur un rail pour crimes contre le bon goût (une accusation pour laquelle il n'a jamais plaidé que coupable), Verhoeven a décampé dans le paysage dépravé de la France, où il a réussi à offenser une nouvelle fois. En tant que conceptrice de jeux vidéo déterminée à traquer son violeur, pour des raisons telles que, mais sans s'y limiter, la vengeance, Isabelle Huppert est l'instrument contondant et élégant parfait pour Elle 's marteler la satire; méchante, brutale et courte, et armée de la meilleure pince-sans-rire du secteur, elle est comme un marteau à griffes enveloppé dans un voile.

Force Majeure (2014, Ruben Östlund)

Sundance 2020 apportera Une descente , Will Ferrell et Julia Louis-Dreyfus en anglais de Nat Faxon et Jim Rash, avec une refonte de l'importation suédoise à succès Force Majeure. Alors que la prémisse comique de l'original était sans aucun doute universelle - un père harcelé abandonne sa famille lors d'une avalanche dans une station de ski et doit ensuite les affronter avec sa queue entre les jambes - il semble peu probable que les Américains égaleront la maîtrise impassible d'Östlund, qui était également exposé dans sa Palme d'Or Le Carré. La combinaison de films d'stlund de réalisme épuisant et de satire abjecte a conduit certains à le qualifier de nouveau Michael Haneke, mais ses jeux amusants sont en fait, eh bien, drôles.

Heureux comme Lazare (2018, Alice Rohrwacher)

Le héros du conte de fées moderne trompeusement doux de Rohrwacher - basé sur l'histoire vraie et étrange d'un village italien isolé dont les habitants ont été dupés à vivre comme des paysans payant la dîme jusqu'au début des années 1980 - parle d'un jeune homme qui prend plaisir à aider les autres. Lazzaro vit pour servir parce qu'il n'a jamais connu d'autre chemin ; quand il est soudainement libéré de son arrangement, il commence à se sentir piégé. La bonté savante du personnage ne fait pas de lui un repoussoir aux forces d'exploitation mais leur instrument. Au cours d'une décennie où des cinéastes du monde entier ont tenté de lutter contre les ravages spirituels du capitalisme tardif, la vision de Rohrwacher a peut-être été la plus lucide et la plus dérangeante de toutes.

Moteurs sacrés (2012, Léos Carax)

Denis Lavant a donné la performance de la décennie fois 10 dans le spectacle sauvage et métamorphe de Carax Saints moteurs, une collection de vignettes basées sur les voyages (et les identités multiples) de M. Oscar de Lavant. Mendiant travesti, cascadeur de capture de mouvements, assassin d'élite, mutant vivant dans les égouts, personne âgée mourante, accordéoniste fou, chimpanzé ... il fait tout, avec l'aide de Kylie Minogue, Eva Mendes et de la grande actrice française Edith Scob, qui le conduit et porte le masque de verre qu'elle a enfilé il y a un demi-siècle dans le classique de l'horreur Yeux sans visage. Ce que tout cela signifie vraiment sous toute cette étrangeté virtuose est difficile à dire avec certitude, mais écoutons-le pour l'étrangeté virtuose en attendant.

Jauja (2014, Lisandro Alonso)

Nous sommes une star de cinéma qui utilise son influence pour le bien plutôt que pour le mal, et l'engagement de Viggo Mortensen envers l'auteur argentin en signant pour produire et jouer dans Jauja— est aussi héroïque que tout ce qu'il a fait comme Aragorn. En tant qu'officier danois essayant de récupérer sa fille disparue dans l'Argentine du XIXe siècle, Mortensen projette une noblesse fatiguée compromise par son statut d'agent colonial, mais au fur et à mesure que le film avance, l'intrigue - et même les commentaires politiques - s'effondrent en faveur de quelque chose. plus spacieux et énigmatique. La cinématographie presque atrocement belle jette un sort qui est aidé par le rythme lent d'Alonso: sans jamais copier David Lynch, le jeune réalisateur évoque une partie de la même fascination captivante et étrange.

Laissons entrer le Soleil (2017, Claire Denis)

En tant qu'artiste parisienne naviguant sur les eaux traîtresses des rencontres tardives, Juliette Binoche ose être stridente, déroutante, incohérente, insupportable ; elle ne couvre pas l'essence chaotique du personnage et ressort avec une excellente performance, même selon ses propres normes élevées. Superficiellement léger et drôle mais ponctué de charges de profondeur explosives d'émotion, le drame romantique de Denis plaide en faveur de la terreur nécessaire de l'intimité, même s'il s'arrête avant une approbation retentissante. L'enfer c'est les autres, bien sûr, mais qu'en est-il d'être seul ?

Sons voisins (2013, Kléber Mendonça Filho)

La paranoïa qui palpite à travers les débuts superlatifs de Mendonça Filho est celle des nantis essayant de s'isoler contre les démunis. Le film se déroule dans un élégant immeuble d'appartements à Recife, au Brésil, où une entreprise de sécurité privée a installé des appareils de haute technologie - et des gardes armés - pour garder les habitants cloîtrés en toute sécurité au milieu de leurs signifiants de richesse et de confort. Tout semble en ordre, mais la bande-son brillamment conçue laisse entrevoir des menaces envahissantes : des pas, des chuchotements, un calcul à portée de main. La chair de poule insidieuse du style de Mendonça Filho apporte Sons voisins dans le domaine du cinéma d'horreur, mais c'est plus effrayant en tant qu'allégorie sur la classe et le pouvoir – une histoire locale avec des implications universelles.

Pas de film à la maison (2015, Chantal Akerman)

le grand réalisateur belge est décédée peu de temps après la première de son dernier film; aucun titre sur cette liste n'était plus préoccupé par la mortalité, ni ne regardait plus courageusement l'abîme. Conçue en grande partie comme un hommage à la vieille mère d'Akerman, Natalia - une survivante des camps de concentration ratatinée avec un formidable souvenir de ses expériences - Pas de film à la maison se déroule sous la forme d'une série de conversations en tête-à-tête, en personne ou via Skype, récapitulant un passé qui n'est pas terminé avec ces femmes de loin. Tout est filmé à une distance précise et statique qui peut être interprétée comme une distance respectueuse ou une reconnaissance lugubre d'une relation qui s'éloigne à chaque tic-tac inexorable de l'horloge.

Parasite (2019, Bong Joon-ho)

Un succès croisé honnête à dieu, Parasite a donné à Bong plus de visibilité mondiale que ses aspirants blockbusters en anglais, le positionnant comme l'un des grands artistes transnationaux du monde. Tout ce qui a été écrit sur l'acuité sociopolitique du film vaut la peine d'être lu, mais je vais utiliser cet espace pour craquer pour le style de Bong : la confiance et la clarté absolues dans sa mise en scène et son découpage, qualités que tout réalisateur d'action (y compris Spielberg) envierait. Regardez la facilité avec laquelle une scène de rencontre décontractée se transforme, d'abord en une pièce de suspense sous pression, puis en horreur, et réalisez que vous êtes en compagnie d'un véritable maître.

Phénix (2014, Christian Petzold)

La perfection structurelle, presque mathématique, du noir d'après-guerre de Petzold dément son pouvoir émotionnel de marée - les émotions grandes, terribles et accablantes qui s'échappent sous ses surfaces savamment minimalistes. Nina Hoss joue le rôle d'une survivante juive grièvement blessée d'un camp de concentration à qui on a donné un nouveau visage pour commencer une nouvelle vie, mais qui est ramenée, pathologiquement, dans un Berlin en ruine à la recherche de son mari allemand sinistre et contrôlant. Elle le trouve, mais il ne la reconnaît pas, et l'intrigue qui s'ensuit devient positivement hitchockienne (avec des rebondissements aussi vertigineux que Vertige) sans jamais perdre sa forme allégorique. En guise de méditation sur la culpabilité des survivants, Phénix est intelligent et touchant ; comme un fantasme de vengeance, il culmine dans une séquence aussi dévastatrice que n'importe quoi dans Basterds sans gloire , sans tirer un seul coup.

Tout de suite, faux alors (2015, Hong Sang-soo)

La blague sur le prodigieux Hong de la Corée du Sud, c'est qu'il continue de faire le même film encore et encore. Avec Tout de suite, faux alors, Hong appelle le bluff de ses critiques, racontant une petite farce pince-sans-rire familière à propos d'un réalisateur excité, d'un jeune étudiant séduisant et d'une soirée passée à boire des quantités dangereuses de saké... différent, avec des variations mineures qui s'ajoutent à un résultat très différent. Vraiment, il y a une demi-douzaine de Hongs que j'aurais pu avoir à cet endroit, mais En ce moment, faux alors un gadget narratif parfaitement exécuté l'élève de quelques centimètres précieux au-dessus du reste.

Sieranevada (2016, Cristi Puiu)

Une famille se réunit pour commémorer un patriarche décédé, et l'enfer se déchaîne dans la comédie dramatique de trois heures du réalisateur roumain, qui comprend la dynamique des réunions familiales comme aucun autre film du 21e siècle : Les gens ont faim et sont irritables et ivre, et il y a toujours un oncle bizarre qui raconte que le 11 septembre était un travail de l'intérieur et que le carburéacteur ne peut pas faire fondre les poutres en acier. Tourné en longs plans itinérants, miraculeusement chorégraphiés à l'intérieur d'un appartement exigu qui ne cesse de se remplir de gens (tous étranges d'une manière ou d'une autre) et animé par un scénario d'une complexité phénoménale qui intègre les thèmes de la culpabilité, de la religion et de la modernité dans le base-toutes-familles-sont-psychotiques-vanité, Sieranevada est exigeant, mais vaut plus que la peine.

Étranger au bord du lac (2013, Alain Guiraudie)

En parcourant une plage naturiste en Provence, un jeune homme est témoin de ce qui semble être un meurtre par noyade ; le tueur est le même étranger séduisant et mâle alpha vers lequel il a été attiré lors de ses visites quotidiennes. En partie thriller, en partie allégorie et en partie comédie noire, Étranger au bord du lac juxtapose le sexe et la mort et les relie à la même curiosité inquiète et désespérée. Bien que connu pour ses comédies transgressives, Guiraudie joue les éléments du genre (au figuré) directement sans se priver d'une imagerie explicitement homoérotique. À ce stade, les provocations choquantes d'art et d'essai sont un sou une douzaine; Étranger au bord du lac est rempli d'idées (et de sentiments) à confronter.

Ceci n'est pas un film (2011, Jafar Panahi)

Le titre imite la déférence : séquestré dans son appartement en résidence surveillée pour activités cinématographiques séditieuses, Panahi fait savoir à tout le monde, en particulier aux censeurs iraniens, que cette bizarrerie maison n'est pas, Dieu nous en préserve, un film. Mais bien sûr que c'est le cas, et malgré un manque d'équipement, de ressources, d'argent, de collaborateurs ou le droit légal de lever une caméra, Panahi s'avère être tout à fait le non-cinéaste, intégrant une multitude de styles et de modes (journal vidéo , autoportrait, drame carcéral, comédie existentielle, critique sociale) en un document qui, d'une manière ou d'une autre, atteint simultanément ses pairs (cinéastes et militants sociaux du monde entier) tout en levant un doigt d'honneur vers ses oppresseurs.

Tombouctou (2014, Abderrahmane Sissako)

Une milice islamiste envahit un village du Mali dans la satire politique dentelée de Sissako, qui tire ses indices absurdes de l'hypocrisie des fanatiques du monde réel (et est basée sur un événement réel de 2012). En pleine interdiction de tout athlétisme, les djihadistes discutent de leurs footballeurs préférés, tandis qu'une séquence montrant un groupe d'enfants jouant au football avec un ballon invisible devant leurs occupants grave un acte de défi éphémère et indélébile : l'imagination comme travail d'équipe, et le sport solidaire.

Wesley Morris trois panneaux d'affichage

Toni Erdmann (2016, Maren Adé)

Pour une fois, l'éloge généralisé de la saga père-fille du réalisateur allemand n'était pas un cas de consensus fou - il se trouve que Toni Erdmann touche quelque chose d'universel. Le sujet de ce film amusant est la catharsis de la comédie elle-même, avec le col blanc tendu de Sandra Hüller essayant de ne pas casser à chaque fois que son père débile (Peter Simonischek) envahit son espace déguisé en coach de vie éponyme Toni Erdmann. Au fur et à mesure que le film avance, le mantra de ce dernier de ne pas perdre l'humour est justifié aux côtés du plus grand amour de tous de Whitney Houston, qui est balbutié par Hüller dans ce qui doit être la plus grande scène de karaoké de l'histoire du cinéma. Ils ne peuvent pas lui enlever sa dignité, en effet.

Une touche de péché (2013, Jia Zhangke)

Zhangke a commencé sa carrière en tant que cinéaste hors-la-loi, travaillant au mépris des lois de censure de l'État chinois. En 2013, il avait été autorisé à sortir ses films à la maison malgré son incapacité à atténuer la tendance de son travail à la provocation. Les quatre histoires arrachées aux gros titres de Une touche de péché brossez le tableau d'un pays déchiré par la corruption, la pauvreté et l'anxiété économique ; chaque mini-récit a une base de réalisme amer, ponctué d'éruptions de violence surprenante à la Scorsese. En fait, Marty est fan de Jia, et la dernière scène de le loup de Wall Street est si proche de Sans finale que cela pourrait presque être un hommage (si les films n'étaient pas sortis la même année, bien sûr).

Alto (2012, Matías Piñeiro)

Le réalisateur argentin fabrique des miniatures : ses comédies flottantes et agiles sont souvent à peine des longs métrages, mais comme l'a écrit William Shakespeare, la brièveté est l'âme de l'esprit. Le Barde se trouve également être la grande influence de Piñeiro, chaque film portant le nom d'un texte shakespearien et s'y connaissant. Alto concerne une troupe de jeunes comédiens à Buenos Aires Douzième Nuit (et d'autres pièces) et construit une partie du même élan poétique que son inspiration. Aucun cinéaste de cette décennie n'a joué avec le langage avec plus d'éloquence que Piñeiro, dont les films modestement ingénieux et bienveillants méritent un public plus large en Amérique du Nord.

Rester (2017, Lucrèce Martel)

Le seul démérite contre Martel est que elle a dirigé un jury qui a donné Joker un prix majeur à la Mostra de Venise. Même les génies ne sont pas parfaits. Pour de nombreux critiques, les années 2010 n'ont pas donné un autre film - en langue étrangère ou autre - aussi parfaitement conçu et exécuté que la pièce d'époque de Martel du XVIIIe siècle Rester , qui piège un officier colonial médiocre dans un purgatoire de Patagonie où le temps (et avec lui, son ambition) s'arrête atrocement. Comme une comédie de mœurs au ralenti, Rester rivalise avec le monumental de Kubrick Barry Lyndon— c'est le niveau d'art sur lequel travaille Martel.

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